Este curso plantea una serie de reflexiones sobre la precariedad del uso del tiempo en la sociedad contemporánea y su relación con ciertas propuestas artísticas que se enfrentan a dicha experiencia temporal. Para ello, se presentan  cinco aproximaciones sucesivas y complementarias que permitirán comprender la naturaleza del problema planteado.

Las inscripciones pueden realizarse en recuperareltiempo@gmail.com

El tiempo de la transformación social: proceso y evento. Una reflexión sobre el contexto social contemporáneo que analiza los problemas de un sujeto debilitado por la diseminación temporal y la dificultad de atención que las tecnologías y las redes sociales están propiciando, presentada por Amador Fernández- Savater.

Art Thinking. Recuperar el tiempo desde el placer. Una propuesta desde la educación artística que defiende la utilización del arte como forma de conocimiento y aprendizaje e instrumento para recobrar  esa capacidad de atención debilitada, una defensa de la creatividad como elemento transformador de los métodos de enseñanza y de la sociedad misma, presentada por María Acaso.

Tiempo material: el arte contemporáneo y la densidad de las horas. Una perspectiva desde la historia del arte y la crítica que presenta las distintas respuestas que desde el arte moderno y contemporáneo se han propuesto respecto a esa fragilidad de la atención y a la aceleración temporal planteada, presentada por Miguel Hernández Navarro.

Alma, ojo y mano: un acercamiento a las experiencias artísticas que me rodean. Un estudio de distintas poéticas contemporáneas que rescatando técnicas propias de la artesanía invitan a la recuperación de la atención y el tiempo tanto en el proceso de realización de la obra como de su recepción, presentada por María Jesús Martínez Silvente.

Tiempo y procesos: sobre la atención y el ver. Un ejemplo práctico de propuesta artística contemporánea que apunta a la posibilidad de la recuperación de ese tiempo como herramienta política y de la práctica artística como modelo de una ética basada en la distancia y el silencio, presentada por Javier Garcerá.

Este curso persigue los siguientes objetivos:

– Situar a los participantes en relación a la contemporaneidad y a los síntomas sociales que se señalan.

– Fomentar el valor del arte y de la creatividad como elemento transformador social.

– Suscitar una reflexión fundamentada históricamente sobre los nudos poéticos que se proponen: tiempo, hacer, ver, decir, distancia, silencio, etc.

– Dar a conocer propuestas artísticas actuales que responden y se enfrentan a la carencia de perspectiva temporal que hemos identificado.

Tras la realización del curso, se publicará un volumen que recoja el material trabajado y las conclusiones elaboradas.

PONENTES

Amador Fernández-Savater. Compagina actividades intelectuales y políticas. Participa en la editorial Acuarela Libros desde su fundación hace ahora 10 años. Acuarela ha sido una de las primeras editoriales en proteger sistemáticamente sus libros con las licencias Creative Commons, con resultados muy positivos a todos los niveles. Ha co-dirigido los últimos años la revista Archipiélago. Colabora en el diario Público, donde está al cargo de una sección de entrevistas, publicadas en Fuera de lugar (Acuarela y AA. Machado Libros) y un blog (blogs.publico.es/fueradelugar). Entre sus primeros libros  destacan Filosofía y acción (Editorial Límite, 1999)  y Pensar el futuro (Ed. Límite, 2007). Es co-autor de un libro sobre la experiencia de la Red Ciudadana tras el 11-M, Las voces del 11-M (Los libros del Lince, 2011);  y de Carta(s). Economía libidinal de la Transición (MNCARS, 2018) o Con y contra el cine. En torno a Mayo del 68 (UNIA, 2008). Es autor del programa de radio Una línea sobre el mar (Radio Círculo), dedicado a la filosofía de garaje y es colaborador de eldiario.es con el blog Interferencias. Recientemente ha publicado Habitar y gobernar (NED  ediciones), sobre las prácticas cotidianas de transformación social tomando la iniciativa para afirmar otras imágenes de cambio.

María Acaso. Doctora en Educación Artística y  desde el 2002 desempeña la actividad docente en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, puesto que compagina, desde el 2010, con su labor de socia fundadora del colectivo de arte y educación Pedagogías Invisibles, que aboga por los métodos de enseñanza disruptivos. Actualmente es Jefa del Area de Educación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, MNCARS. Ha desarrollado proyectos relacionados con el arte contemporáneo y la educación en las principales universidades y centros de arte internacionales. Algunos de estos proyectos han tenido lugar en la Hochschule der Künste Bern (Suiza), Universität zu Köln (Alemania), Universidad Autónoma de México, The Bergen National Academy of The Arts (Noruega) y en NYU, Colby College, The New School of Social Research, The School of the Arts Institute of Chicago, Harvard y Stanford (EE. UU.). En los últimos años, merecen atención los proyectos experimentales «Ni arte ni educación» (2015-2016, Matadero Madrid), «¿Dónde está la Oficina de Mediación?» (2016-2017, LABoral, Gijón) y «Educar la institución» (2017, Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos, Chile). Tiene publicados numerosos libros: Art Thinking. Cómo el arte puede transformar la educación, junto a Clara Mejías (Paidós Educación, cuya cuarta edición es de 2019); La educación artística no son manualidades, junto a otros autores (Los Libros de la Catarata 2009-2014); Didáctica de las artes y la cultura visual (Akal Bellas Artes, 2011); rEDUvolución (Paidós, 2013); Pedagogías invisibles. El espacio del aula como discurso (Los Libros de la Catarata, 2012); o Esto no son las Torres Gemelas (Los Libros de la Catarata, 2016)

 Miguel Ángel Hernández Navarro.  Escritor y profesor de Historia del Arte en la Universidad de Murcia. Ha sido director del CENDEAC de Murcia, Research Fellow del Clark Art Institute (Williamstown, Massachusetts) y Society Fellow de la Society for the Humanities (Cornell University). Sus áreas de interés son el arte, la teoría y la cultura visual del mundo contemporáneo, con un especial énfasis en las visualidades de resistencia, tecnología, las políticas migratorias y las temporalidades antagónicas. Es comisario de exposiciones (Impurezas (Murcia, 2002), Peripheries of the Body (Nueva York, 2006), 2Move: Double Movement/Migratory Aesthetics (Murcia, Enkhuizen, Oslo, Belfast, 2007-2008), La última frontera (Murcia, 2011) etc., y autor de numerosos ensayos de arte contemporáneo y cultura visual, publicados en revistas, catálogos y libros como El arte a contratiempo. Historia, obsolescencia, estéticas migratorias (AKAL, 2020); Art and Visibility in Migratory Culture, Conflict, Resistance, and Agency, editado junto a Mieke Bal (Rodopi, 2017); Materializar el pasado. El artista como historiador (benjaminiano) (Micromegas, 2012);  Heterocronías. Tiempo, arte y arqueologías del presente (CENDEAC, 2008), compilación de ensayos a su cargo;  El archivo escotómico de la Modernidad. Pequeños pasos para una cartografía de la visión ( Alcobendas Colección de Arte Público y Fotografía, 2007); La sombra de lo real: el arte como vomitorio (Alfons el Magnánim (Colección Novatores, 2006), entre otros.

Es también, escribe libros de ficción. El dolor de los demás (Anagrama, 2018); El instante de peligro (Anagrama, 2015); Intento de escapada (Anagrama, 2013); Demasiado tarde para volver [Microficciones] (Tres Fronteras, 2008) y otros en los que se mexcla la realidad y la ficción, que toman forma de diario: Aquí y ahora (Fórcola, 2019); Diario de Ithaca (Fundación Newcastle, 2017); o Presente Contínuo (Balduque, 2016);

María Jesús Martínez Silvente. Doctora en Historia del Arte y Profesora Titular en la Universidad de Málaga. Autora de diversas monografías sobre las vanguardias históricas como La mirada cambiante de Ardengo Soffici: Futurismo y crónicas sobre Picasso (UMA, 2002), Picasso y el cubismo en la literatura artística futurista: el caso de Umberto Boccioni (1909-1916) (UMA, 2004), Francisco Peinado. Representaciones y autorrepresentación (Ayuntamiento de Málaga, 2008), y de una treintena de artículos en revistas especializadas. Ha disfrutado de estancias en Roma, Milán, Palermo y París, realizando investigaciones sobre arte del siglo XX en las universidades de La Sapienza (Roma) y La Sorbona-París IV. Compagina sus tareas docentes con aportaciones críticas en periódicos y revistas especializadas y comisariados de exposiciones como los de Chillida. Logos. Espacio de la palabra (Ronda, 2005), Carlos Miranda. Stories from Homes (Piana dei Colli, Palermo, 2012), Javier Garcerá. Exhale Inhale (Piana dei Colli, 2013) o Santiago Ydáñez. Santo Animal (Instituto Cervantes de Palermo, 2018). Pertenece a los patronatos del Museo Picasso Málaga y del Museo del Grabado Español Contemporáneo (Marbella), y es miembro de la Cátedra Picasso.

Javier Garcerá. Artista plástico y profesor titular de la Facultad de Bellas Artes de Málaga. Ha disfrutado de varias becas de investigación (Instituto Juan Gil-Albert, Casa de Velázquez, Academia Española de Roma, Colegio de España en París, Fundación Pilar i Joan Miró, Yaddo Coorporation, Bristih Columbia University, Concordia University, etc.) que le han permitido desarrollar a nivel internacional tanto una actividad artística como una reflexión teórica en torno a los temas que se suscitan desde dicha práctica. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en España y en el extranjero (Francia, Italia, Alemania, Suecia, Marruecos, Brasil, EEUU, Argentina, Japón, etc.), y ha obtenido numerosos premios de pintura (Primera Medalla de la Exposición Internacional de Valdepeñas, Premio del Senado de Pintura, Premio Bancaixa, etc.). Sus últimos proyectos se han expuesto en el Centro del Carmen de Valencia (2018) y en el Crucero del Hospital Real de Granada (2018) y el Palacio de los Condes de Gabia (2020), ambos en Granada.